18 de marzo de 2017

Blue Note #61 - Lou Donaldson

Lou Donaldson
Lush Life

Al dedicarse a explorar las posibilidades armónicas del saxofón alto, (muchos) se han olvidado del sonido básico del instrumento.
**Lou Donaldson, 1968**

¡Tremendo sonido! ¡Estupenda alineación! ¡Magnífico disco! Tras los primeros compases de “Sweet Slumbers”, una antigua pieza del grupo de Lucky Millinder, se entiende a la perfección el título de Lush Life (que se podría traducir como “Vida exuberante”), a pesar de que el estándar de Billy Strayhorn no figura en el listado de temas. Lo que sí aparece es una fabulosa versión de “The Good Life”, compuesta por Sacha Distel y Jack Reardon cinco años antes para el filme Les Sept Péchés Capitaux (Los Siete Pecados Capitales), aunque el título de la canción, que se puede traducir por “La Buena Vida”, no hacía justicia al disco. Al igual que todas las demás piezas del disco, debe mucho a las habilidades de Duke Pearson con los arreglos.

Lush Life, el primer disco de Donaldson para la discográfica desde Good Gracious, de 1963, y de raigambre soul jazz, es muy distinto. Piense en la música de Charlie Parker sin cuerdas y tendrá una idea aproximada de este disco si no ha tenido la oportunidad de escucharlo. Donaldson, el eterno discípulo de Parker, da muestras a lo largo de todo este álbum de una interpretación estupenda.

Donaldson y Pearson realizaron una selección de baladas muy consideradas, “antiguas y no tan antiguas, estándares y no tan estándares”, como indican las notas del LP original. Además de la elegante forma de tocar de Donaldson, el resto de la selección de vientos brilla en la que es una inusual ejecución de algunos de ellos: Wayne Shorter y Freddie Hubbard tocan con gran belleza en todo momento, sobre todo en el último solo del tema “Sweet And Lovely”.

Donaldson había debutado con Blue Note en abril de 1952, fecha en la que grabó con el Milt Jackson Quintet (MJQ); su disco de debut como líder apareció dos meses después en la serie New Faces, New Sounds. Entre su debut y Lush Life grabó más de una docena de discos con Blue Note, y el LP que siguió a este último, Alligator Boogaloo, con un sonido soul jazz, permaneció un tiempo en las listas de rhythm and blues de Billboard.

1 - Sweet Slumber
2 - You've Changed
3 - The Good Life
4 - Star Dust
5 - What Will I Tell My Heart
6 - It Might as Well Be Spring
7 - Sweet and Lovely

Lou Donaldson (saxo alto), Freddie Hubbard (trompeta), Wayne Shorter (saxo tenor), Jerry Dodgion (saxo alto, flauta), Pepper Adams (saxo barítono), Garnett Brown (trombón), McCoy Tyner (piano), Ron Carter (contrabajo), Al Harewood (batería), Duke Pearson (arreglos)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, 20 de Enero de 1967

10 de marzo de 2017

Blue Note #60 - Ronnie Laws

Ronnie Laws
Pressure Sensitive

Ronnie Laws tiende puentes entre las distintas direcciones del jazz, aunque tiene un enfoque de inmensas pentatónicas descendentes heredadas de John Coltrane. También es un intérprete muy conmovedor que domina el soul jazz.
**Stanley Jordan, 2011**

Hay quien diría que el debut del saxofonista Ronnie Laws en Blue Note es música del demonio, y no precisamente de la que tocaban los músicos de blues. Para algunos, el álbum es un sacrilegio, mancilla el nombre de Blue Note Records y ni siquiera es jazz. Es mejor ignorarlos. Si bien es cierto que dista mucho de ser lo mejor que ha lanzado la discográfica, el disco tiene tanto derecho a estar en Blue Note como muchas otras de las grabaciones realizadas a lo largo de décadas. Este era el punto en el que se encontraba el jazz en la árida década de 1970, al menos para aquellos que deseaban hacer algo nuevo, crear su propio sonido e intentar que el jazz avanzase de algún modo.

Alentado por la emisión radiofónica del single “Always There”, el álbum, firmado por Ronnie Laws, que tenía veinticuatro años, y por el baterista de jazz William Jeffrey, que había entrado en las listas de rhythm and blues, se vendió a un ritmo constante hasta alcanzar el n.° 73 de la lista de los más vendidos de Billboard, puesto que ocupó durante más de año y medio, entre 1975 y 1976. En 1991, el grupo británico Incognito situó su versión de “Almost There” entre los diez más vendidos del Reino Unido; Incognito fue uno de los pioneros del acid jazz británico, y su versión ayudó a que toda una nueva generación entrase en contacto con Blue Note.

“Tidal Wave”, otra espléndida pieza compuesta en colaboración con Jeffrey, resulta más apacible y cuenta con el sintetizador de Jerry Peters, quien también produjo en la década de 1970 álbumes de Blue Note para Gene Harris, exmiembro de The Three Sounds. Entre los demás músicos de acompañamiento se encuentran Joe Sample y Wilton Felder, de The Crusaders, y el álbum fue producido por su excompañero de grupo, Wayne Henderson, quien por aquel entonces estaba a punto de abandonar dicho grupo para centrarse en la producción. Tando The Crusaders como Laws procedían de Houston, Texas; este último, antes de su éxito en solitario, tocó brevemente con Earth, Wind & Fire.

1 - Always There
2 - Momma
3 - Never Be the Same
4 - Tell Me Something Good
5 - Nothing to Lose
6 - Tidal Wave
7 - Why Do You Laugh at Me?
8 - Mis' Mary's Place

Ronnie Laws (saxo soprano, saxo tenor, flauta); Roland Bautista, John Rowin (guitarras); Mike Cavanaugh, Joe Sample (teclados); Jerry Peters (sintetizador); Wilton Felder, Clint Mosley (bajos); Steve Gutierrez, Michael Willars (baterías); Joe Clayton (percusión); Side Effect (coros)

Angel City Sound, Los Angeles, Marzo y Abril de 1975

28 de febrero de 2017

Blue Note #59 - Bobby Hutcherson

Bobby Hutcherson
Montara

La clave de hacer música no es controlarla, sino que te lleve. Una vez que te lleva, no puedes esperar a que vuelva a hacerlo y no dejarán de repetirse los mismos momentos de magia.
**BobbyHutcherson**

El latin jazz estaba en pleno auge a mediados de la década de 1960, sobre todo en Verve Records, donde Stan Getz había llevado la música brasileña a un primer plano para los aficionados al jazz. Transcurrida la década, Hutcherson, que ya era un veterano que había grabado unos veinte discos con Blue Note, se dirigió al sur para crear uno de los álbumes más deliciosos de cuantos publicó la discográfica en la década de 1970. El siempre elegante Hutcherson se rodeó de algunos de los mejores percusionistas del mundillo de la música latina, entre los cuales destacan Willie Bobo y Ralph MacDonald, y creó un álbum despreocupado y sin restricciones que rezuma energía y buenos momentos.

“Oye Como Va”, una versión de la que hizo Santana de la canción de Tito Puente, es totalmente funky. El álbum también cuenta con algunos ritmos muy relajados, entre los que destacan “Love Song”, una pieza compuesta por el pianista George Cables, también compositor de “Camel Rise” (en aquella época tocaba, asimismo, en el grupo de Fredddie Hubbard), y la atmosférica “Little Angel”, que cuenta con la excelente interpretación de Blue Mitchell a la trompeta.

Con la independencia de las aportaciones de los otros destacados músicos, siempre es Hutcherson el que brilla: dirige desde el frente, creando el efecto de ondulación en el que el vibráfono no tiene parangón, a la vez que lleva todas y cada una de las piezas hacia adelante con garbo. Resultaría muy fácil decir que esta música es “de su tiempo” y hacerse la idea equivocada de que no tiene lugar en la escena musical actual. Muchos de los temas que compuso Hutcherson para este disco figuran en los discos recopilatorios de la serie Blue Note Trip que se publicaron a comienzos del siglo XXI, y que han servido para atraer a un gran número de nuevos admiradores a la discográfica, así como para inspirar la exploración y los sampleos. MF Grimm, Little Indian y The Underachievers son sólo algunas de las formaciones que han sampleado Montara.

1 - Camel Rise
2 - Montara
3 - (Se Acabó) La Malanga
4 - Love Song
5 - Little Angel
6 - Yuyo
7 - Oye Como Va

Bobby Hutcherson (vibráfono, marimba); Oscar Brashear, Blue Mitchell (trompetas); Ernie Watts (saxo tenor, flauta); Plas Johnson (flauta); Fred Jackson (saxo tenor, flauta); Larry Nash, Eddie Cano (pianos); Dennis Budimir (guitarra); Chuck Domanico, Dave Troncoso (contrabajos); Harvey Mason (batería); Ralph McDonald, Bobby Matos, Johnny Palomo, Rudy Calzado, Victor Pantoja (percusiones); Willie Bobo (baquetas); Dale Oehler (arreglos)

Record Plant, Los Angeles, California, 12 y 14 de Agosto de 1975

26 de febrero de 2017

Blue Note #58 - Ronnie Foster

Ronnie Foster
Two Headed Freap

Es lamentable que una discográfica con la reputación de Blue Note se vea limitada a grabar las divagaciones informales de la música por ambiental.
**Hugh Witt, Jazz Journal, Abril de 1973**

Como cualquier intérprete de órgano Hammond, Ronnie Foster es deudor de Jimmy Smith, aunque en esta sesión, su primera como líder, lleva el instrumento a terrenos desconocidos con este disco, en el que se dan la mano el funk, el soul, el rhythm and blues y el jazz. Foster había debutado con Blue Note en Alive, el disco de Grant Green, cuando sólo tenía veinte años.

Al igual que muchos de los discos que lanzó Blue Note durante esa época, no logró emocionar a los seguidores tradicionales de la discográfica, aunque Two Headed Freap, junto con otros discos de comienzos de la década de 1970, sentaron las bases de lo que sería el acid jazz. Foster compuso cinco de las ocho piezas, mientras que las otras son versiones hábilmente seleccionadas; de ellas, “Let’s Stay Together”, de Al Green, deja claro por qué se respetaba tanto a Foster y tenía tanta demanda como músico de acompañamiento, y no sólo entre músicos de jazz. George Benson admiraba a Foster, y más adelante tocaría en su disco Breezin’.

En su propio debut, las mejores composiciones de Foster son la relajada “Summer Song”, que cuenta con la guitarra de Gene Bertoncini al estilo de Benson, y una pieza que demuestra con claridad la diferencia que existe entre Foster y Jimmy Smith: “Mystic Brew”. La interpretación de Foster es más sostenida, tiene menos ataque y la melodía suena con m´ñas fluidez, lo que no quiere decir que sea mejor, sino sólo diferente. Distintos artistas han sampleado “Mystic Brew”, tales como A Tribe Called Quest y DJ Madlib, cuyo fruto es Shade Of Blue, el disco que lanzó en 2003 con Blue Note.

Como muchos otros álbumes de jazz de la época, Two Headed Freap da la sensación de que se trata de un film de blaxploitation, lo cual no es ninguna crítica. Es un disco de su época, y debería apreciarse como tal. El crítico de The Penguin Guide To Jazz On CD es de la misma opinión que el de la cita que se ha mostrado, lo cual dice mucho acerca de cómo ve esta época “la policía del jazz”. ¡No permita que le laven el cerebro!


1 - Chunky
2 - Drowning In The Sea Of Love
3 - The Two Headed Freap
4 - Summer Song
5 - Let's Stay Together
6 - Don't Knock My Love
7 - Mystic Brew
8 - Kentucky Fried Chicken


Ronnie Foster (órgano), George Devens (vibráfono, cabasa, maracas, cencerro), Gene Bertoncini (guitarra), Gene Bianco (arpa), George Duvivier (contrabajo), Gordon Edwards (bajo eléctrico), Jimmy Johnson (batería), Arthur Jenkins (congas), Wade Marcus (arreglos)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 20 y 21 de Enero de 1972

19 de febrero de 2017

Blue Note #57 - Donald Byrd

Donald Byrd
Black Byrd

Entonces, los aficionados al jazz comenzaron a cebarse conmigo. Se dieron un festín de diez años. “Es un vendido”. Todo lo que era malo se le atribuía a Donald Byrd. Al principio me enfrenté, pero luego se convirtió en algo común. Más tarde le dieron un nombre. Comenzaron a llamarle jazz fusión y jazz rock.
**Donald Byrd, 1982**

¿Un álbum de jazz en las listas? ¿Qué sería lo siguiente? Aunque este disco fue un auténtico superventas para Blue Note, ya que alcanzó en n.° 88 de las listas de Billboard, el furor que acompañó a su lanzamiento (muchos acusaron a Byrd de ser un vendido) duró años. Esta maravilla de disco funky clama para que lo escuchen: aquellos que aún no lo hayan hecho, deben hacerlo en cuanto puedan. Pensemos en la banda sonora de Isaac Hayes para Shaft, añadamos matices más intensos de jazz y obtendremos Black Byrd. Y, para más burla de los ya agraviados, incluso cuenta con sintetizadores. Blue Note había entrado en un nuevo y atrevido mundo.

Black Byrd es tan revolucionario como las grabaciones de The Jazz Messengers de mediados de la década de 1950 o de Herbie Hancock a comienzos de la de 1960, lo que plantea un problema para algunos aficionados al jazz que consideran que su música no debe cambiar: un modo de pensar que no es exclusivo de ellos. Byrd casi parece adoptar un papel secundario con relación al sonido global del disco, aunque cuando se pone en primer plano ejecuta unos solos tan hermosos como los que uno esperaría de un trompetista con el talento y la experiencia de llevar grabando desde mediados de la década de 1950. Joe Sample, de The Jazz Crusaders, es un músico esencial para el tono del disco, del mismo modo que lo es la flauta de Roger Glenn, la cual hace patente la época en la que se grabó el disco. La inclusión de voces en el jazz fue otro punto negativo para algunos puristas, aunque estas resultan perfectas, sobre todo en la pieza que da título al disco, en especial cuando se suman al funk y al blues de la guitarra de David T. Walker, quien acababa de salir de la grabación de Let’s Get It On con Marvin Gaye.

1 - Flight Time
2 - Black Byrd
3 - Love's So Far Away
4 - Mr. Thomas
5 - Sky High
6 - Slop Jar Blues
7 - Where Are We Going?

Donald Byrd (trompeta, fliscorno, trompeta eléctrica, voz principal) ; Fonce Mizell (trompeta, voces); Allen Curtis Barnes (flauta, oboe, saxos); Roger Glenn (saxos, flautas); Kevin Toney (piano); Freddie Perren (piano, sintetizador, voces); Joe Sample (piano, piano eléctrico); Dean Parks, David T. Walker, Barney Perry (guitarras); Chuck Rainey, Wilton Felder, Joe Hill (bajos); Harvey Mason, Sr., Keith Killgo (baterías); Bobbye Hall Porter, Perk Jacobs, Stephanie Spruill (percusiones); King Errisson (conga, bongó, pandereta); Larry Mizell (voces, arreglos)

The Sound Factory, Los Ángeles, California, 3 y 4 de Abril; 24 de Noviembre de 1972

16 de febrero de 2017

Blue Note #56 - Elvin Jones

Elvin Jones
The Ultimate

La mayor contribución del jazz a la música ha sido la sustitución de la función del director por la de un miembro del conjunto, el cual, en lugar de mover los brazos para marcar el tempo y el tono, es un elemento activo de la declaración musical. Ese miembro es la batería.
**Elvin Jones**

Elvin Jones había participado por primera vez en un disco de Blue Note hacía más de una década cuando tocó en The Magnificent Thad Jones, el disco de su hermano mayor, que se lanzó en 1956. Como miembro del grupo de John Coltrane, grabó un gran número de sesiones para muchos de los habituales de la discográfica hasta su debut como líder de grupo, que tuvo lugar cinco meses antes que este, su segundo disco. La considerable habilidad de Jones hizo que la revista Life lo describiese como “el mejor batería rítmico del mundo”, y este excelente álbum da muestras de su destreza de tacto, dinámica y sublime fraseo.

Tres de las seis piezas están compuestas por el bajista Jimmy Garrison. Todas son magníficas, en especial “What Is This?”. Dada la formación de trío, es inevitable que Joe Farrell esté en un primer plano en todos los temas, aunque cuando se le suman el saber hacer de Garrison y Jones y las brillantes técnicas de grabación de Rudy Van Gelder, los tres músicos tienen una presencia equiparable.

En mi opinión, los mejores temas son “Yesterdays”, un estándar que tenía treinta y cinco años cuando se grabó y en el que el solo de Garrison es toda una revelación, y la maravillosa “We’ll Be Together Again”, en la que destaca la exquisita flauta de Farrell. Esta pieza de 1945 es otro clásico; fue compuesta por Carl T. Fischer y Frankie Laine le añadió la letra; la grabaron originalmente The Pied Pipers, el grupo vocal con la big band de Tommy Dorsey.

Joe Farrell había debutado el año anterior con Blue Note en el disco de Stanley Turrentine denominado A Bluish Bag. Tras haber tocado con el grupo de Maynard Ferguson durante gran parte de la década de 1960, pasó a grabar con un elenco de músicos de otro tipo, desde los Bee Gees, durante su época disco, a The Band. Para el bajista Garrison, que era miembro del grupo de John Coltrane, esta era su segunda participación en una grabación de Blue Note; la primera había tenido lugar casi una década antes, cuando tocó con Jackie McLean.

1 - In The Truth
2 - What Is This?
3 - Ascendant
4 - Yesterdays
5 - Sometimes Joie
6 - We'll Be Together Again


Joe Farrell (saxo tenor, saxo soprano, flauta), Jimmy Garrison (contrabajo), Elvin Jones (batería)

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 6 de Setiembre de 1968

13 de febrero de 2017

Blue Note #55 - Bobby Hutcherson

Bobby Hutcherson
Total Eclipse

Experimenté con el cambio de intervalos en mi música, haciendo segundas y terceras en lugar de cuartas y quintas. Creé un sondo distinto de las típicas líneas de jazz. Los intervalos quedaban abiertos… Harold los comenzó a tocar también de modo que pudiéramos hacer que rebotaran entre sí.
**Bobby Hutcherson, 2013**

Este es un curioso disco de Bobby Hutcherson, quien había grabado con Blue Note desde 1963, año en el que debutó con Jackie McLean en su One Step Beyond. El primer álbum del vibrafonista como líder apareció a finales del mismo año en el que grabó Dialogue, de tendencia vanguardista. En este, su quinto disco para Blue Note, Hutcherson experimentó con un estilo de jazz moderno más estructurado.

Cuatro de las cinco piezas están compuestas por Hutcherson; “Matrix” es obra de Chick Corea, lo que supone una de las escasas participaciones que llevó a cabo el músico en Blue Note. Antes de esta sesión, había grabado un disco con Donald Byrd, otros con Blue Mitchell y un par bajo su propio nombre para otras discográficas. Este disco también recoge la primera colaboración entre Hutcherson y Harold Land, flautista que se convertiría en cómplice habitual durante los años siguientes.

Aunque ninguna de las piezas del álbum de debut de Hutcheron es obra suya, durante esta época ya era un diestro compositor, de lo que da fe la ambiciosa “Pompeian”, con la que se cierra el disco. La flauta de Land en este tema resulta en especial sorprendente, mientras que su saxofón tenor en “Same Shame”, donde se alía con la brillante fluidez de Hutcherson, hace que esta pieza destaque.

La sesión de grabación de Total Eclipse, uno de los pocos discos que durante más de una década no se encargó de grabar Rudy Van Gelder, se realizó durante casi un año, cuando Blue Note fue propiedad de Liberty Records. La portada tampoco es obra de Reid Miles, lo cual resulta bastante evidente. En lugar de ser una de las excepcionales obras de Blue note, el diseño bien podría haber pertenecido a cualquier discográfica de primera línea. Está claro que un diseñador puede marcar la diferencia.

1 - Herzog
2 - Total Eclipse
3 - Matrix
4 - Same Shame
5 - Pompeian

Bobby Hutcherson (vibráfono), Harold Land (saxo tenor, flauta), Chick Corea (piano), Reggie Johnson (contrabajo), Joe Chambers (batería)

Plaza Sound, Nueva York, 12 de Julio de 1968