30 de enero de 2016

Don Wilkerson, un tornado pre-Blue Note


Don Wilkerson
The Texas Twister

Al revisar la discografía que propone el libro de la Blue Note que justificará la nueva serie de Quintaesencia, se encuentran algunos nombres como el de Don Wilkerson, uno de los héroes anónimos y olvidados del saxo tenor.
Don nació en Moreauville el 6 de julio de 1932 e inició sus estudios musicales con el saxo alto. En plena adolescencia se trasladó a Houston y se pasó al saxo tenor para tocar junto a Amos Milburn y Charles Brown. Respaldó a un pesos pesado como B. B. King y en las primeras Ray Charles de mediados de 1950, interviniendo en solos especialmente memorables en clásicos como "I Got a Woman", "This Little Girl of Mine" y "Hallelujah I Love Her So".

Lideró un grupo en Miami durante un breve espacio de tiempo, y participó en numerosas jam sessions con Cannonball Adderley quién, con gran olfato artístico, produjo la primera sesión de grabación de Wilkerson, en 1960 para el sello Riverside, titulada The Texas Twister. Luego la historia cambiaría firmando para la casa Blue Note y grabando en ella tres discos entre 1962 y 1963: Elder Don, Preach, Brother! y Shoutin', en los que colaboró Grant Green a la guitarra.
Sin mayores explicaciones, dio por terminada su carrera a mediados de 1960 y se retiró a Houston, donde vivió hasta su muerte ocurrida el 18 de julio de 1986.

The Texas Twister resulta ser un discos muy poco difundido pero con un potencial impresionante y muy recomendable para los admiradores de la escuela tenorista "Lone Star", presente en las voces de Arnett Cobb, David "Fathead" Newman y James Clay, hombres que provienen del mismo estado de Texas. Pero no sólo los texanos influyeron en su técnica. Algunos críticos especializados "oyeron" en Wilkerson algunas inspiraciones provenientes del Gene Ammons (Chicago) y Wardell Gray (Los Ángeles). Pero este disco lleva bien impreso el corazón texano, algo difícil de ignorar en estas sesiones en las que Don es secundado por un grupo de grandes estrellas como Nat Adderley en corneta, Barry Harris al piano, Leroy Vinnegar y Sam Jones en contrabajos y Billy Higgins en batería.

Un verdadero tornado de swing...

1 - The Twister
2 - Morning Coffee 
3 - Idiom
4 - Jelly Roll
5 - Easy To Love
6 - Where Or When
7 - Media 

Don Wilkerson (saxo tenor); Nat Adderley (corneta); Barry Harris (piano); Sam Jones, Leroy Vinnegar (contrabajos); Billy Higgins (batería).

San Francisco, 19 y 20 de Mayo de 1960.

29 de enero de 2016

Blue Note... nueva serie intercalada


Richard Havers
Blue Note. Uncompromising Expression
75 años de lo mejor del jazz

De tanto hurgar entre clásicos de la Blue Note y recurrir al libro de Havers en busca de información, pensé… ¿por qué no incluirlos para una nueva serie?
Lanzado para conmemorar el 75 aniversario del mejor y más conocido sello del jazz, con objeto de celebrar más de siete décadas de música extraordinaria de una compañía que se ha mantenido fiel al compromiso de sus fundadores con respecto a la "expresión sin compromiso".
Traza la evolución del jazz, desde el boogie-woogie y el swing de la década de 1930, a través del bebop, el funk y la fusión, hasta las mezclas eclécticas de Blue Note de la actualidad
Además, se explica la compleja historia social de trasfondo, desde la persecución judía en la Alemania nazi hasta el desarrollo musical y tecnológico de finales del siglo xx.
Blue Note no es sólo conocido como proveedor de una música de jazz extraordinaria, sino que también es un árbitro de tendencias. La fotografía del cofundador Francis Wolff y el diseño gráfico de Reid Miles han sido fundamentales para el éxito del sello: esta publicación presenta las mejores fotografías, carátulas, portadas y material gráfico de los archivos, incluyendo imágenes no publicadas nunca antes.

Los discos de Blue Note Records están concebidos exclusivamente para servir sin concesiones a la expresión del hot jazz y del swing en general. Cualquier estilo interpretativo particular que represente una auténtica sensación musical es una expresión genuina. En virtud de su importancia con relación al lugar, la época y las circunstancias, posee una tradición, unas normas artísticas y un público propios, que hace que siga vivo. El hot jazz es expresión y comunicación, manifestación musical y social, y los discos de Blue Note identifican su impulso, no los ornamentos sensacionalistas y comerciales.

En cuanto al autor, Richard Havers había trabajado durante más de veinte años en el sector de la aeronáutica cuando decidió apostar por su pasión por la música. Empezó con la redacción de guiones para publicidad radiofónica y melodías publicitarias breves (jingles), cuando comenzó con su carrera en una agencia de publicidad y promoción. Su trabajo en la radio lo llevó a la producción musical, a participar en las giras de los Beach Boys, un concierto con Paul McCartney, así como otros espectáculos para otros artistas. Una conversación con Bill Wyman lo llevó a colaborar con él en la serie televisiva Blues Odyssey, que, a su vez, llevó a la producción del libro que la acompañaba. A partir de entonces se convirtió en autor de libros, entre otros, sobre Marylin, Verve o Sinatra.


Quedan avisados… He aquí el propio autor para una mejor introducción....


 


27 de enero de 2016

Bennie Green: un "hueso" con emoción y alma


Bennie Green
Soul Stirrin'

Bennie Green nació en Chicago, Illinois, el 16 de Abril de 1923. 
Fue uno de los pocos trombonistas de la década de 1950 que no cayó bajo la poderosa influencia del gran J.J. Johnson.
Sin embargo, influido por el espíritu be bop, mantuvo elementos más tradicionales en su forma de tocar, heredados de músicos como Trummy Young o Dickie Wells.
En 1942, tras tocar en diversas bandas locales, se incorporó a la big band de Earl Hines, en la que coincidió con Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Oscar Pettiford y Sarah Vaughan, permaneciendo en ella hasta 1948, salvo el periodo de servicio militar. Tocó en los grupos de Gene Ammons y Charlie Ventura, además de formar su propia banda, con Budd Johnson, y más tarde un sexteto en el que va incorporando a algunos de los principales saxofonistas de la época: Johnny Griffin, Eric Dixon, Eddie Lockjaw Davis, Frank Wess... A finales de los años 1960 actuó con la big band de Duke Ellington y, después, se instaló en Las Vegas, dedicándose a tocar en clubs y hoteles locales. A mediados de 1970 destaca tanto en el Festival de Jazz de Newport como en "jam sessions" de Nueva York.
Murió el 23 de Marzo de 1977.

El 28 de Abril de 1958, Bennie entró al célebre estudio en Hackensack, de Rudy Van Gelder, y, desde un disco que puede considerárselo como una magnífica introducción a su maravilloso estilo, mostró su amplia gama de habilidades -a veces reflexiva, otras bulliciosa-, adaptando su robusto sonido de acuerdo a la ocasión.
En estos registros, Green, con su trombón aun arraigado en la era del swing, supervisó con eficiente espíritu "bopero" los arreglos que, aunque basados en el blues, llegaron audazmente hasta el mambo. También se animó a contribuciones vocales a las que se sumaron "Jug" Ammons y el gran Babs Gonzales, aunque este último no aparezca en los créditos como músico interviniente. 
La formación del sexteto se completó con figuras tan notables como el legendario pianista Sonny Clark, el siempre impresionante tamborileo de Elvin Jones apoyándose con el contrabajo de Ike Isaacs, y un exquisito tándem de saxos tenores a cargo de Gene Ammons y Billy Root.
En definitiva, un disco pleno de alma y la pasión que en tiempo se hace cortito...

1 - Soul Stirrin'
2 - We Wanna Cook
3 - That's All
4 - Lullaby Of The Doomed
5 - B.G. Mambo
6 - Black Pearl


Bennie Green (trombón); Gene "Jug"Ammons, Billy Root (saxos tenores); Sonny Clark (piano); Ike Isaacs (contrabajo); Elvin Jones (batería). Babs Gonzales (vocales).

Van Gelder Studio, Hackensack, New Jersey, 28 de Abril de 1958. 

24 de enero de 2016

Bob Gordon con Herbie y Jack... inigualables



Bob Gordon
Complete Quintet/Sextet
(con Herbie Harper & Jack Montrose)


Bob Gordon fue uno de los más importantes representantes de la escena del Jazz de la Costa Oeste de la década de 1950 y estaba en camino a convertirse en uno de los más grandes saxo-barítonos que el jazz hubiera producido nunca. Pero por desgracia, murió en un accidente automovilístico en 1955, cuando sólo tenía 27 años y justo cuando el movimiento "cool" comenzaba a calentarse.
Nacido en St. Louis, se mudó a Los Ángeles en 1948 e instaló su barítono en 1951, inspirado por Gerry Mulligan y Serge Chaloff pero alcanzando un sonido distintivamente propio.
Antes de su prematura muerte fue ampliamente solicitado como músico de sesión, por su facilidad de adaptarse a la idiosincrasia de cualquier líder. En particular, Bob tenía una afinidad especial para interactuar con el trombonista Herbie Harper y con el saxofonista y arreglista Jack Montrose, trabajos cuyos resultados pueden apreciarse en el resultado de este doble CD lanzado por Lone Hill Jazz en 2004.
Obviamente, con el correr del tiempo estas grabaciones tuvieron un sinfín de presentaciones, tanto en compilaciones de otros sellos como en nuevas remasterizaciones de los álbumes unitarios originales. Pero para cualquier devoto del West Coast Jazz, toda recopilación de aquellos registros son apreciados sobremanera.
En este caso, el material reunido data del período 1954/1955, y constituyeron grabaciones realizadas el Los Angeles, California, en distintos estudios como Venue Gold Star Recording Studio, Pacific Jazz Studios y Radio Recorders, y cuyos resultados originales vieron la luz como: Herbie Harper (Nocturne NLP-1), The George Redman Group (Skylark LP 20), Jack Montrose With Bob Gordon (Atlantic 1223), Meet Mr. Gordon (Pacific Jazz PJ LP-12) y The Jack Montrose Sextet (Pacific Jazz PJ-1208).
En todos ellos Bob Gordon no podría decirse que es la fuerza impulsora principal... sin embargo, su presencia y contribuciones afectaron los resultados de manera significativa.

CD 1

1 - Jeepers Deepers
2 - Five Brothers
3 - Herbstone
4 - Summertime
5 - Jive At Five
6 - Babette
7 - Moer Blues
8 - Sonny Boy
9 - Slow Mood
10 - Slow
11 - Just George
12 - A Little Duet
13 - April's Fool
14 - Dot's Groovy
15 - I'm Gonna Move To The Outskirts Of Town
16 - Cecilia
17 - The News And The Weather
18 - When You Wish Upon A Star
19 - Have You Met Miss Jones?

CD 2

1 - Paradox
2 - Meet Mr. Gordon
3 - Tea For Two
4 - Modus Operandi
5 - Onion Bottom
6 - What A Difference A Day Makes
7 - For Sue
8 - Love Is Here To Stay
9 - Two Can Play
10 - Listen, Hear
11 - Bewitched, Bothered And Bewildered
12 - Credo
13 - Pretty
14 - Some Good Fun Blues
15 - Fools Rush In
16 - Speakeasy
17 - That Old Feeling
18 - Two Can Play (alternate take)


Bob Gordon (saxo barítono); Herbie Harper (trombón); Jack Montrose (saxo tenor); Conte Candoli (trompeta); Jimmy Rowles, Maurey Dell, Paul Moer (pianos); Harry Babasin, Red Mitchell, Joe Mondragon, Don Prell, Ralph Pena (contrabajos), Roy Harte, George Redman, Shelley Manne, Bill Schneider (baterías).

Venue Gold Star Recording Studio, Pacific Jazz Studios y Radio Recorders, California, 1954/1955

16 de enero de 2016

Hampton Hawes celebrado en tríos


Hampton Hawes
Bird Song

Hampton Hawes se acercó a la música a través de la iglesia escuchando gospel junto a su padre, pastor de la iglesia baptista de su ciudad. Una hermana suya diez años mayor que él, le enseñó el manejo del piano y a los 16 años ya obtuvo el carnet profesional de músico. En 1946, al tiempo que terminaba sus estudios en la Polytecnic High School de Los Ángeles, ya obtuvo su primer contrato en la orquesta de Jay McNeely y a los  19 años tuvo una experiencia inolvidable cuando se encontró tocando con Charlie Parker y Howard McGhee que estaban de gira en Los Ángeles. A partir de aquélla experiencia se empeñó en adaptar su forma de tocar al piano a como lo hacía Bird en el saxo alto.
Meses más tarde entraría en la orquesta del extraordinario  Wardell Gray,  para seguir después con Red Norvo, Dexter Gordon y Teddy Edwards. Durante un concierto fue escuchado por Shorty Rogers quien le llamó en 1952 para grabar el primer disco de sus famosos "Giants" y con los "Howard Rumsey's All Stars" en el célebre club "Lighthouse" de Hermosa Beach.

Entre 1952 y 1955 hizo el servicio militar y tras licenciarse formó un trío junto a Red Mitchell  en contrabajo y Chuck Thompson a la batería que siguió unido durante muchos años y con el que grabó extraordinarios discos, trabajos que se consideran como los mejores ejemplos de lo que un pequeño combo de hard bop podía lograr en la década de 1950, allá por las costas de California.
Sin embargo, en pleno auge del terceto, en Enero de 1956, el productor del sello, Lester Koenig, dispuso una sesión de grabación de Hampton al frente de un trío diferente. El resultado fueron nueve temas que mostraron un espíritu comunicativo tan elevado que puede considerárselos como uno de esos momentos especiales en los que los músicos naturalmente llegan a mismísimo núcleo del lenguaje bop.

Extrañamente, como si la reunión hubiera sido secreta, los registros fueron enterrados en las bóvedas de la casa Contemporary. 
Las especulaciones del porqué de esa decisión son variadas... por citar tan sólo dos posibles... 
Una: Lester Koenig temía que, en una época en la que un grupo exitoso debía respaldárselo con actuaciones y grabaciones permanentes, apartar a uno de los miembros para un compromiso diferente podría atentar contra el éxito comercial y arruinar las excelentes ventas que estaba logrando el conjunto regular Hawes-Mitchell-Thompson...
Otra: Koenig quería experimentar la interacción "west coast-east coast", invitando a Paul Chambers para el experimento, aprovechando que en esa fechas, estaba de gira por la costa oeste formando parte del quinteto de Miles Davis.
Estas o algunas otras razones son temas para investigadores especializados... remota posibilidad de lograrlo desde este humilde blog...

Lo cierto es que, en 1999... 43 años después (¡!) y accidentalmente (¡!), el productor Eric Miller descubrió estos registros y al fin pudieron ser desempolvados, editados en CD y contribuir a la felicidad de los aficionados que pudimos al fin disfrutar de un Hawes respaldado por Paul Chambers y el baterista Larance Marable, mostrando las mejores facetas de su tremenda técnica en un estado de optimismo superlativo.
Como si esto fuera poco, esta edición se completa con tres temas extras, también hasta entonces inéditos, resultantes de las tomas en trío no incluidas en su disco For Real!, sesión del 17 de Marzo de 1958, en la que Hampton fue secundado por Harold Land, Scott LaFaro y Frank Butler.

Y algo muy especial para finalizar esta introducción: el próximo lunes 18 de enero, aquellas grabaciones principales que dieron origen a este disco, cumplen 60 años exactos... Hubiese preferido originar esta entrada exactamente ese lunes... pero por viaje, estaré de mini-vacaciones... lejos de los recursos técnicos que me permiten modificar esta página...
Así que vá hoy, pero con todas las ganas de una "celebración-número-redondo".

Salud!


1 - Big Foot
2 - Ray's Idea
3 - Stella By Starlight
4 - Blues For Jacque
5 - I Should Care
6 - Bird Song
7 - Yesterdays
8 - What's New
9 - Just One Of Those Things
10 - I'll Remember April
11 - Cheryl
12 - Blue 'N' Boogie

Hampton Hawes (piano), Paul Chambers (contrabajo), Larance Marable (batería)
Contemporary's Studio, Los Angeles, 18 de Enero de 1956

Hampton Hawes (piano), Scott LaFaro (contrabajo), Frank Butler (batería)
Contemporary's Studio, Los Angeles, 17 de Marzo de 1958

13 de enero de 2016

Bill Potts al frente de Porgy & Bess


Bill Potts Big Band
The Jazz Soul Of Porgy And Bess

Algo básico sobre Porgy and Bess... 
George Gershwin tardó casi 9 años desde que en 1926 decidió componer esta ópera, hasta 1935 en que fue estrenada. Por el camino debió de sortear mil y un obstáculos de todo tipo no siendo los menores los de carácter racial. Para la mentalidad de la época, admitir un "musical de negros" era una cosa pero asimilar "una obra seria", nada menos que una "ópera" en donde todos sus protagonistas fueran de color, era harina de otro costal.
Basada en la novela Porgy del novelista Edwin DuBose Heyward, fue el propio autor el que transfirió su obra, romántica y costumbrista, a libreto teatral con el aporte de Ira Gershwin en la parte lírica. Su estreno tuvo lugar en el Teatro Colonial de Boston, el 30 de septiembre de 1935, con dirección musical de Alexander Smallens. Los personajes protagonistas fueron cantados por Todd Duncan como Porgy y Anne Brown como Bess. 
La obra tuvo un éxito arrollador desde el primer momento, representándose en Broadway y en las principales ciudades de Estados Unidos y, tras la Segunda Guerra Mundial, en los principales teatros europeos. Sólo hubo una excepción a tan fulgurante carrera: el Metropólitan de Nueva York, en donde por increíble que parezca, no se estrenó hasta 1985...la friolera de 50 años desde su estreno.

Algo aún más básico sobre sus versiones llevadas al disco...
Tom Lord, en su afamado sitio Jazz Discography, enumera 1700 versiones grabadas de "Summertime", el tema más famoso de la obra. Sin embargo (quizá por imposible), no hay referencias en cuanto a las grabaciones existentes sobre la obra conceptual en si misma.
Concentrando la búsqueda en aquellos "grandes del jazz" que decidieron abordarla y llevarla al disco cabe mencionar, entre otros: el triple álbum que en 1956 protagonizaron los  Bethlehem’s All Star (con Mel Torme, Frances Faye, Betty Roche, Frank Rosolino, las orquestas de Russ Garcia y Duke Ellington, y muchos más), la producida por Norman Granz presentando a Louis Armstrong y Ella Fitzgerald, la de Sammy Davis Jr., Harry Belafonte con Lena Horne, la de Gil Evans con Miles Davis, la llamada Porgy and Bess Revisited con arreglos de Jim Timmens y un reparto impresionante de "alumnos" de Ellington como Cootie Williams, Hilton Jefferson, Rex Stewart y Lawrence Brown, la del guitarrista Mundell Lowe secundado por un lujísimo sexteto integrado por Art Farmer, Don Elliott, Ben Webster, Tony Scott, George Duvivier y Osie Johnson, la versión de Hank Jones para la casa Capitol con Kenny Burrell, Milt Hinton y Elvin Jones, Las dos de Oscar Peterson (una en trío con Ray Brown y Ed Thigpen y otra a duo con Joe Pass), la del Modern Jazz Quartet de 1965, la de Ray Charles y Cleo Laine de 1976, la de Joe Henderson de 1990, la adaptación más cercana, A Different Porgy and Another Bess con el franco-belga David Linx y la portuguesa Maria João respaldados por la Brussels Jazz Orchestra y... (ya harto de buscar)... la que ocupará esta entrada... para muchos críticos especializados la más extraordinaria de todas: The Jazz Soul of Porgy And Bess, totalmente instrumental, con una big band conducida y arreglada por el pianista Bill Potts e integrada por un grupo de estrellas tan resplandecientes que llevaron a considerar el grupo como THE ORCHESTRA... así, con mayúsculas totales... vayan anotando: Charlie Shavers, Harry Edison, Bernie Glow, Art Farmer, Markie Makowitz, Bob Brookmeyer, Frank Rehak, Earl Swope, Jimmy Cleveland, Rod Levitt, Phil Woods, Gene Quill, Zoot Sims, Al Cohn, Sol Schlinger, Bill Evans, Herbie Powell, George Duvivier y Charlie Persip.
Potts se tomó seis semanas para estudiar la obra y otras trece para crear esta maravilla considerada como uno de los mejores álbumes de jazz jamás realizado, interpretado con el máximo de habilidad, pasión e imaginación.
Sin temor a exagerar, una obra maestra definitiva.

1 - Summertime
2 - A Woman Is A Sometime Thing
3 - My Man’s Gone Now
4 - It Takes A Long Pull To Get Here
5 - I Got Plenty O’ Nuttin
6 - Bess, You Is My Woman
7 - It Ain’t Necessarily So
8 - Medley
* Minor Themes
* Prayer
* Strawberries
* Honey Man
* Crab Man
9 - I Loves You, Porgy
10 - Clara, Clara
11 - There’s A Boat Dat’s Leavin’ Soon For New York 
12 - Oh Bess, Oh, Where’s My Bess
13 - Oh Lawd, I’m On My Way

Charlie Shavers, Harry Edison, Bernie Glow, Art Farmer, Markie Makowitz (trompetas); Bob Brookmeyer (trombón a válvulas); Frank Rehak, Earl Swope, Jimmy Cleveland (trombones); Rod Levitt (trombón bajo); Phil Woods, Gene Quill (saxos altos), Zoot Sims, Al Cohn (saxos tenores), Sol Schlinger (saxo barítono), Bill Evans (piano); Herbie Powell (guitarra), George Duvivier (contrabajo), Charlie Persip (batería), Bill Potts (arreglos y conducción). 

Webster Hall, Nueva York, 13, 14 y 15 de Enero de 1959.


9 de enero de 2016

Jon Eardley en Hollywood y Nueva Jersey


Jon Eardley
Quartet, Quintet & Septet

Jon Eardley nació en Altoona, Pennsylvania, el 30 de Setiembre de 1928 y se interesó en la trompeta a los 11 años, quizá alentado por su padre, por entonces integrante de la banda de Paul Whiteman.
Desde 1946 hasta 1949 Eardley formó parte de una banda de la Fuerza Aérea en Washington, llegó a tocar en la Big Band de Buddy Rich y terminó formando su propio cuarteto en 1950. 
En 1953 se trasladó a Nueva York y allí despierta el interés de Phil Woods , Hal McIntyre y Gerry Mulligan quien lo contrata para sustituir, entre 1954 y 1957, nada menos que a Chet Baker en su afamado cuarteto sin piano.
No obstante, poco reconocido en su país, buscó el reconocimiento (y encontró respetabilidad) en Europa, trasladándose primero a Bélgica en 1963 y Alemania en 1969.
Murió en Lambermont cerca de Verviers, Bélgica, el 1 de Abril de 1991.

Aunque muy vinculado al West Coast Jazz, su estilo estaba muy próximo al jazz clásico y en esta brillante colección emitida por el sello barcelonés Fresh Sound, se reúnen tres de sus excelentes primeros trabajos originalmente producidos para la casa Prestige. 
El primero: Jon Eardley In Holllywood (que en su primera versión se tituló First Sessions)... con una finísima sección rítmica protagonizada por Red Mitchell, Larry Bunker y la exuberante inventiva del pianista Pete Jolly que, por razones contractuales, debió ser citado como Pete Cera en los créditos.
El segundo: Hey There, Jon Eardley!... en el cual, al poderoso trabajo de Eardley se le suma el talento de J.R. Monterose, uno de los mejores saxo tenores de su generación. Sosteniendo esas dos voces principales, un impecable apoyo rítmico de George Syran, Teddy Kotick y Nick Stabulas. 
El tercero: The Jon Eardley Seven, una explosión sin límites a cuatro vigorosos "alientos" que completaron Milt Gold, Phil Woods  y Zoot Sims.

Una muy bienvenida recopilación que reivindica a un artista injustamente sumido en el olvido durante muchos años.

1 - Late Leader
2 - Indian Spring
3 - Black
4 - Gloss

Jon Eardley in Hollywood (New Jazz 1105)
Jon Eardley (trompeta), Pete Jolly (piano), 
Red Mitchell (contrabajo), Larry Bunker (batería).
Radio Recorders, Hollywood, 15 de Diciembre de 1954


5 - Sid’s Delight
6 - Demanton
7 - If You Could See Me Now 
8 - Hey There

Hey There, Jon Eardley! (Prestige 207)
Jon Eardley (trompeta), J.R. Monterose (saxo tenor), George Syran (piano), Teddy Kotick (contrabajo), Nick Stabulas (batería).
Rudy Van Gelder’s Studio, Hackensack, N.J., 14 de Marzo de 1955


9 - Leap Year
10 - There’s No You
11 - On the Minute
12 - Ladders
13 - Koo Koo
14 - Eard’s Word

The Jon Eardley Seven (Prestige 7033)
Jon Eardley (trompeta), Milt Gold (trombón), Phil Woods (sxo alto), 
Zoot Sims (saxo tenor), George Syran (piano), 
Teddy Kotick (contrabajo), Nick Stabulas (batería).
Rudy Van Gelder’s Studio, Hackensack, N.J., 13 de Enero de 1956

6 de enero de 2016

Teo Macero en quinteto


Teo Macero
Teo With The Prestige Jazz Quartet

Neoyorkino de principio a fin, Teo Macero nació en el pueblo Glens Falls -condado de Warren- como Attilio Joseph Macero el 30 de octubre de 1925 y murió en Riverhead -condado de Suffolk- el 19 de febrero de 2008.
Tras graduarse del Juilliard School of Music en 1953, se asoció con Charles Mingus y confundaron el Charles Mingus' Jazz Composers Workshop, produciendo su primer álbum:  el Monk's Dream de Thelonius Monk.
Luego firmó como productor discográfico de jazz de la compañía Columbia Records y, adquiriendo fama no sin razón, muchos lo consideran el George Martin del jazz, al haber sido el artífice de algunas producciones "top-sellings" de todos los tiempos como el Kind Of Blue de Miles Davis, el  Straight, No Chaser de Thelonius Monk y el Time Out de Dave Brubeck.
Tuvo una larga y fructífera relación con Miles Davis produciendo otros de sus clásicos como Porgy And Bess (1958), Sketches Of Spain (1960) y Someday My Prince Will Come (1961). Después, Davis se aventuraría con un nuevo estilo y se fusionaría con la música electrónica, álbumes como In A Silent Way (1969), Bitches Brew (1970), o A Tribute To Jack Johnson (1971), trabajos de gran importancia gracias a las innovadoras técnicas de Macero para mezclar y grabar, inspiradas en parte por el compositor de avant-garde Edgar Varèse, uno de los pioneros en la música electrónica, y con quien Macero había colaborado en Juilliard.
Durante su estancia en Columbia, también produjo álbumes para artistas como J. J. Johnson, Johnny Mathis, Mahalia Jackson y Simon and Garfunkel, incluyendo la banda sonora de El Graduado, álbum que contiene el éxito "Mrs.Robinson".

Pero aparte de estas credenciales, Teo también era saxofonista y acompañó con gusto al movimiento vanguardista Third Stream, aquel que buscaba combinar elementos del clásico contemporáneo europeo con música de improvisación americana.
Esos componentes son hábilmente equilibrados por Macero y el Prestige Jazz Quartet, con Mal Waldron y Teddy Charles al frente ambos buenos compañeros "third streamers". 
El programa elegido es, en su mayor parte, de ánimo nocturnal, naturalmente fresco, compositivamente intrigante y poco ortodoxo en las improvisaciones ideadas.
Sin embargo, esta placentera colección reúne aspectos característicos del hard bop y el cool, dos corrientes divas de mitades de 1950.

1 - Ghost Story 
2 - Please Don't Go Now
3 - Just Spring
4 - Star Eyes
5 - Polody
6 - What's Not

Teo Macero (saxo tenor), Teddy Charles (vibráfono), Mal Waldron (piano), Addison Farmer (contrabajo), Jerry Segal (batería)
Rudy Van Gelder's Studio, Hackensack, Nueva Jersey, 17 de Abril de 1957

4 de enero de 2016

Lester Young en Aladdin


Lester Young
The Complete Aladdin Recordings

Cuando Lester Young grabó por primera vez con un pequeño grupo de jazz liderado por el pianista Count Basie en 1936, ya era un músico formado y maduro, dueño y poseedor del originalísimo estilo que lo haría famoso e inmortal, primero como estrella solista en la orquesta de Basie, y luego, y fundamentalmente, como solista independiente con su saxo tenor.

Como suele pasar en todos los órdenes de la vida, sus comienzos chocaron con la vieja guardia ortodoxa del jazz que consideraban casi un sacrilegio, que se tocara el saxo tenor de manera distinta a como había enseñado el gran Coleman Hawkins una década atrás. No respetar lo canónico le acarreó problemas con algunos de sus compañeros de profesión que casi le despreciaban. Propietario de una estética y de un sonido sutil, sinuoso, sensual y a veces también hiriente y fogoso, Lester Young enseñó al mundo otra manera de tocar el saxo tenor en el jazz, y paradójicamente sus primeras influencias procedían de un músico blanco, Frank Trumbauer, que para colmo ni siquiera tocaba su mismo instrumento. Lester tocaba el saxo tenor en do (C-Melody), al igual que hacía Trumbauer con el saxo melódico, y ese fue el motivo por lo que su sonido era diferente al resto de saxofonistas de la época que además de adorar a Coleman Hawkins, ni siquiera se planteaban alterar el estilo predominante de la época.

La historia nos dice que hay dos músicos distintos en Lester Young y que entre ambos se interpuso la llamada a filas de Lester en el ejército americano. Entre 1943 y 1945, Lester era un músico relativamente feliz; a pesar de su excentricidad, poseía un sentido del humor punzante y a veces no demasiado bien admitido entre sus colegas de profesión. Ya había entablado amistad con Billie Holiday y mantenía con ella una empatía musical extraordinaria. Pero su incorporación a filas lo cambio todo. Su carácter indisciplinado era lo menos apropiado para el ejército y sus problemas comenzaron nada más declarar en un formulario que consumía habitualmente marihuana.

Tras meses de calvario, castigos continuos y aislamiento -fue condenado a cinco años de cárcel en una prisión militar- Lester volvió a la vida civil, pero ya era un hombre marcado y psicológicamente enfermo. Su reincorporación al jazz, vino de la mano del productor Norman Granz, quien amante de su música le consiguió un contrato para grabar con seis pequeñas formaciones diferentes, entre octubre de 1945 y diciembre de 1948, 27 placas para el sello Aladdin y entre las cuales figuran piezas de altísimo nivel jazzístico y una obra maestra absoluta que ha pasado a formar parte de la legenda del jazz: "These Foolish Things".

Las grabaciones de Lester Young para el sello Aladdin muestran una frescura imperecedera aun hoy, y también reflejan con nitidez la tristeza de un músico curtido en mil batallas. Estas sesiones se realizaron en pleno apogeo del bebop, y expresan un sentimiento a través de su instrumento con argumentos distintos en las historias que contaba. Entre los acompañantes de Lester Young había músicos provenientes de la época del swing, como el trombonista Vic Dickenson, o boopers declarados como el trompetista Howard McGhee, pero la música no se resiente por ello y siempre es la misma.

Lester Young, había sido toda su vida un bohemio excéntrico y maravilloso, viviendo en un mundo hostil lleno de hoteles cochambrosos y de racismo cruel. Encerrado en sí mismo como autodefensa frente a los que no lo aceptaban, Lester Young logró crear un universo musical incomparable por su tranquila belleza. Intimista en las baladas, impregnadas de emoción y lirismo y que en los temas rápidos, su música rebosaba dinamismo y de una agilidad extraordinaria, pero siempre expresada con esa absoluta relajación con la que después de él, el jazz no conoció otra igual.

Escuchar a Lester Young es una sugerencia muy placentera. Siempre comienza en modo sugerido y luego poco a poco su sonido se apaga lentamente, como se apagó su vida, sentado en una silla frente a la ventana de la habitación del hotel donde vivía, con el saxo entre las manos, sin soplar en él, pero moviendo los dedos sobre las llaves.


CD1

1 - Indiana
2 - I Can't Get Started
3 - Tea For Two
4 - Body And Soul
5 - D.B. Blues
6 - Lester Blows Again
7 - These Foolish Things
8 - Jumpin' At Mesner's
9 - It's Only A Paper Moon
10 - After You've Gone
11 - Lover Come Back To Me
12 - Jammin' With Lester
13 - You're Driving Me Crazy
14 - New Lester Leaps In
15 - Lester's Be Bop Boogie
16 - She's Funny That Way
17 - Sunday
18 - S.M. Blues

CD2

1 - Jumpin' With Symphony Sid
2 - No Eyes Blues
3 - Sax-O-Be-Bop
4 - On the Sunny Side Of The Street
5 - Easy Does It
6 - Easy Does It (alternate take)
7 - Movin' With Lester
8 - One O'Clock Jump
9 - Jumpin' At The Woodside
10 - I'm Confessin'
11 - Lester Smooths It Out
12 - Just Cooling
13 - Tea For Two
14 - East Of The Sun
15 - The Sheik of Araby
16 - Something To Remember You By
17 - Riffin' Without Helen
18 - Please Let Me Forget
19 - He Don't Love Me Anymore
20 - Pleasing Man Blues
21 - See See Rider
22 - It's Better To Give Than Receive

Lester Young, Maxwell Davis (saxos tenores); Willie Smith (saxo alto); Howard McGhee, Shorty McConnell (trompetas); Vic Dickenson (trombón); Dodo Marmarosa, Nat Cole, Wesley Jones, Joe Albany, Argonne "Sadik Hakim" Thornton, Gene Di Novi, Jimmy Bunn (pianos); Irving Ashby, Fred Lacey, Nasir Barakaat, Chuck Wayne, Dave Barbour (guitarras); Red Callender, Curtis Counce, Rodney Richardson, Ted Briscoe, Curly Russell, Junior Rudd (contrabajos); Henry Tucker, Johnny Otis, Chico Hamilton, Lyndell Marshall, Roy Haynes, Tiny Kahn (baterías); Helen Humes (voz)

Grabaciones realizas en Los Angeles, Chicago y Nueva York entre el 15 de Julio de 1942 y el 29 de Diciembre de 1947.


fuente: apoloybaco.com

1 de enero de 2016

Charlie Parker en Boston


Frank Tirro, desde su libro Historia del Jazz, Volumen 2 (Jazz Moderno), inspiró esta entrada.

No porque a Charlie Parker se le dedique una extensa nota biográfica ni discográfica, sino porque desde el prólogo -firmado en realidad por J. Calvados-, refiere a una de mis recurrentes cuestiones: ¿sigue el jazz desarrollándose? ¿sigue avanzando hacia un "tercer milenio"? ¿aparecerá por fin, en nuestros días, algún "gigante" que cambie otra vez la historia?
En el libro se detalla con admirable ponderación, las distintas evoluciones, ramificaciones, fusiones, contradicciones, etc. que a lo largo de medio siglo han llevado a la música de jazz a la situación en que se encuentra hoy. Una situación en la que, según concluye el propio autor, "es probable que (el jazz) siga desarrollándose de forma un tanto caótica, por lo menos a corto plazo", para añadir que, "como siempre, el factor principal seguirá siendo el talento individual de los músicos y la capacidad de liderazgo de determinados artistas".
Sin embargo, en el momento presente del jazz subyace una gran paradoja: el jazz moderno (dicho así, en un sentido amplio) que surgió como reacción individualista, intelectual, intimista ante el predominio del swing bailable y popular, ha terminado por convertirse (también en un sentido amplio, claro) en una expresión masiva que nada tiene de individualista, de intelectual ni de intimista. Superados los avatares por los que ha pasado la evolución del jazz en las últimas décadas -desde el cool hasta el latin, pasando por free-, el espíritu revolucionario ha desaparecido y las fusiones más o menos folclóricas se han impuesto, mientras que los macrofestivales en los que cabe de todo proliferan en el mundo entero.
Pero Tirro es optimista y , aunque reconoce que hoy no existe en el jazz lo que él llama "un músico de estatura mesiánica", asegura que "es muy posible que éste aparezca en escena esta misma noche".
Sin embargo, otras voces no tienen ese entusiasmo. Desde esas otras perspectivas se piensa que el jazz, en tanto que manifestación artística, ha sido una de las principales víctimas de la operación de espectacularización de la vida llevada a cabo en los últimos tres decenios, con lo que ello ha significado de banalización, confusionismo, enturbiamiento, despersonalización... El imperio del espectáculo exige que los pasivizados mirones crean que todo es igualmente respetable, rindan culto a la diversidad  per se, abominen de las tonalidades monocromas.
En este ambiente generalizado de camaleonismo universalizador, donde la ética es una rémora y la creación artística un bien de consumo publicitario, el jazz ha sabido generar sus propios antídotos para perpetuarse como fenómeno musical identificado con la modernidad. 
Pero la batalla sigue planteándose día a día. El futuro dirá si su protagonistas de hoy y de mañana son capaces de devolverle la vitalidad y el profundo sentido de lo individual que hicieron de ella la música culta por excelencia del siglo XX, esa música que, amalgamando sentimentalismo, colillas de ideas, amores que se acaban de romper"... hagan variar de sitio los prejuicios depositados en el imaginario colectivo.

Como me identifico con la última postura y no tengo el optimismo de Tirro, al leer "un músico de estatura mesiánica" pensé en muchos nombres. Pero uno en especial surgió automáticamente: Bird... el inventor indiscutido del jazz moderno... y en especial Bird en vivo... cocinando la genialidad en su propia salsa...


Charlie Parker
Boston 1952

Cuando en 1996 Uptown Records lanzó estas -hasta entonces- inéditas y casi perfectas grabaciones de dos programas radiales conducido por el presentador Symphony Sid Torin, se encendieron todas la luces rojas de los coleccionistas y amantes de las raras actuaciones de Charlie Parker.
Lo registrado aquí es lo sucedido durante dos noches en el célebre club Hi Hat de Boston. 
El repertorio es el que Bird venía desarrollando habitualmente por esos años. Sin embargo en estas  tomas suenan con la frescura propia discurso recién estrenado.
En las primeras ocho selecciones lo acompañaron un grupo conformado por el trompetista Joe Gordon, el pianista Dick Twardzik, Charles Mingus al contrabajo y Roy Haynes en la batería, mientras que en las restantes cinco, los elegidos fueron el trompetista Herbie Williams, el pianista Rollins Griffith, el contrabajista Jimmy Woode y Marquis Foster en la batería.
Y aunque todos se destacan magníficamente, especialmente el trompetista Joe Gordon, Charlie Parker se roba fácilmente los espectáculos.
He aquí, a propósito de lo anteriormente dicho, un músico de estatura mesiánica...

1 - Introduction by Symphony Sid Torin
2 - Ornithology
3 - Cool Blues 
4 - Groovin' High
5 - Don't Blame Me
6 - Scrapple from the Apple
7 - Cheryl
8 - Jumpin' with Symphony Sid
14 de Diciembre, 1952
Charlie Parker (as), Joe Gordon (tp), Dick Twardzik (p); Charles Mingus (b), Roy Haynes (d), Symphony Sid Torin (ann)

9 - Introduction by Symphony Sid Torin
10 - Ornithology
11 - Out of Nowhere
12 - Cool Blues
13 - Scrapple from the Apple
18 de Enero, 1954
Charlie Parker (as), Herbie Williams (tp),  Rollins Griffith (p), Jimmy Woode (b), Marquis Foster (d), Symphony Sid Torin (ann)