27 de mayo de 2016

Blue Note #19 - Hank Mobley


Hank Mobley
Soul Station

Uno de los mejores programas musicales del Blue Note y cualquier otra discográfica.
**Bob Blumenthal, notas de la reedición en CD**

Cuando Hank Mobley y los demás miembros del cuarteto se reunieron en el estudio de Rudy Van Gelder en febrero de 1960, dio comienzo la sexta sesión de Blue Note en lo que iba de la década. He aquí lo que escribió Joe Goldberg para las notas de la edición original: De un tiempo a esta parte, cada vez es menos correcto hacer pasar un disco de jazz por una “cita a ráfagas”, término que se ha convertido en semidespectivo. Este hecho resume a la perfección este fantástico disco. La interpretación es más que ajustada, y si hay algunas de esas “ráfagas” se encuentra en el contexto de unos meticulosos arreglos. Pero no vayan a creer que se trata de una grabación rígida y sin alma; rezuma alegría con gran convicción; basta escuchar “Dig Dis”.
Billboard, en su reseña del álbum, publicada en Octubre de 1960, comentó que toda esa música estaba interpretada con una “alegre veneración”.
Hank Mobley y el resto del cuarteto sólo necesitaron tres tomas para concluir la primera pieza, “Remember”, de Irvin Berlin. La interpretación de los músicos es muy fresca y viva, sobre todo la del seductor tenor de Hank. Con excepción del primero y último tema, todos están compuestos por Mobley; una de las mejores es “This I Dig Of You”, pieza en la que destaca Art Blakey: es el baterista perfecto para esta pequeña y elegante canción, que es más elegante aún gracias al pizzicato pianístico de Wynton Kelly.
La primera vez que Mobley tocó en una sesión de grabación con Blue Note fue para Horace Silver a finales de 1954. Su primera sesión como líder tuvo lugar antes de que transcurrietan seis meses de esta.  En ella grabó su debut, Hank Mobley Quartet, álbum al que le seguirían otros ocho antes que este, que es su obra maestra. Para algunos, Mobley grabó demasiados discos con Blue Note que, según señaló un crítico, tenían “duraciones irracionales”. Aunque puede que de haber tenido un poco menos se hubiera conseguido más, si esto hubiera llevado a que la sesión no se hubiese grabado, habría resultado una imposturara llevado a que la sesión no se hubiese grabado, habría resultado una impostura.

1 - Remember
2 - This I Dig of You
3 - Dig Dis
4 - Split Feelin's
5 - Soul Station
6 - If I Should Lose You

Hank Mobley (saxo tenor), Wynton Kelly (piano), Paul Chambers (contrabajo), Art Blakey (batería)

Rudy Van Gelder Studio,  Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 7 de Febrero de 1960

21 de mayo de 2016

Blue Note #18 - Horace Silver


Horace Silver
Blowin’ The Blues Away

El auténtico funky jazz de tipo progresivo se encuentra en el nuevo LP de Horace Silver, que compuso los siete temas que lo conforman. Como suele ser habitual, Silver abunda en su interpretación pianística de estilo llano, mientras que Blue Mitchell Y Junior Cook se van moviendo con swing detrás de él. Algunas de las piezas son realmente demoledoras. Las mejores son “Blowin’ The Blues Away”, la de estilo predicador “Sister Sadie” y “Break City”.
**Billboard, 23 de Noviembre de 1959**

La primera vez que se escuchó el piano de Horace Silver en un disco de Blue Note era el año 1952, cuando lo tocaban en una sesión de Lou Donaldson, a lo que siguió una grabación con un grupo que él mismo acabaría por liderar ese mismo año. Entre aquellos años y la fecha de grabación, agosto de 1959, Silver participó en varios discos de Blue Note (actividad que siguió realizando durante muchos años después). Y no es ninguna sorpresa: la forma de tocar de Horace Silver es sencillamente brillante, y sobre todo en este disco.
Billboard publicó lo siguiente en su reseña del lanzamiento del single que da título al disco: El combo de Horace Silver toca un alegre y brillante riff en esta pieza. Silver toca el piano y Blue Mitchell ejecuta buenos  solos a la trompeta. Se trata de un buen material para los tocadiscos. Aunque hoy en día resulta difícil concebir un disco de jazz que suene en una jukebox, no ocurría lo mismo en aquellos días felices. Silver pasa por el swing con tranquilidad, y si se busca un disco que demuestre que el piano puede ser funky, aquí lo encontrará.
Señalado por muchos como el mejor disco de Silver para Blue Note, un crítico resumió del siguiente modo su atractivo: Ejemplifica todas sus virtudes como pianista, compositor y líder. El pianista compuso las siete piezas del disco, y todas, no sólo la que le da título, son estupendas. “Peace” y “Melancholy Mood” son temas más lentos. El primero cuenta con una adorable y delicada interpretación de Mitchell.
Si el que escribe esto tuviera que escoger sólo una pieza, sería la muy versionada “Sister Sadie”: funky a la enésima potencia. Este tema es la fuente del soul jazz y todos, desde Herbie Hancock a Gregory Porter, rinden pleitesía a Horace por ella.

1 - Blowin' the Blues Away
2 - The St. Vitus Dance
3 - Break City
4 - Peace
5 - Sister Sadie
6 - The Baghdad Blues
7 - Melancholy Mood 
8 - How Did It Happen

Horace Silver (piano), Blue Mitchell (trompeta), Junior Cook (saxo tenor), Gene Taylor (contrabajo), Louis Hayes (batería).

Rudy Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, 29 y 30 de Agosto y 13 de Setiembre de 1959.

16 de mayo de 2016

Blue Note #17 - Art Blakey


Art Blakey And The Jazz Messengers
Moanin'

Dije: “La tenemos”. La tocamos y quedaron boquiabiertos. Les encantó. La pieza se llamaba “Moanin’”
**Benny Golson a propósito de la primera interpretación en público de “Moanin’”**

“Esta es la toma cuatro”, dice Rudy Van Gelder antes de que el grupo arranque con la composición del pianista Bobby Timmons, que es una de las más reconocibles del mundo del jazz. La primera pieza, “Moanin’”, es sencillamente perfecta, una de las melodías más características del hard bop. El tema hizo que este disco de Blakey y The Jazz Messengers fuera conocido como “Moanin’” por casi todo el mundo, y el título acabó por calar. También apareció en Febrero de 1959 a modo de single que se segmentaba en las dos caras de un vinilo de 45 rpm. En Billboard se publicó lo siguiente: “Se trata de una gran propuesta por parte de Blakey y los Messengers. Es una inteligente melodía que cuenta con los buenos solos que se entremezclan con la apremiante percusión de Blakey. Los pinchadiscos de pop también podrán disfrutar de estas caras”.
Puede que “Moanin’” nunca hubiera existido de no haber sido por la insistencia de Golson, que un Timmons de veintinueve años de edad completó con el adorno de ocho compases que solía tocar entre piezas en los conciertos del grupo. Por sí mismo, el tema –del que se dice que logró reintroducir el funk en el jazz y que resulta irresistible- ya habría hecho que el disco fuera memorable y, con todo, es increíble de principio a fin. Golson asume la composición de las demás piezas, excepto de la última, que es un estándar de Johnny Mercer y Harold Arlen.
Tras haber comenzado a grabar con el grupo de Blakey hacía sólo dos años, Lee Morgan tenía tan sólo dos décadas de vida cuando participó en este disco, hecho que resulta difícil de asimilar cuando se oye la sofisticación de su interpretación y se percibe la empatía que establece con Golson, quien tiene casi diez años más que él. “Hoy vengo muy ruidoso”, advirtió Morgan a Van Gelder justo antes de la grabación de la toma 4 de “Moanin’”, y aunque es cierto, no hay nada que pueda restar valor a la emotividad de su forma de tocar la trompeta. Había nacido una estrella.
La cara 2 se inicia con la suite de Blakey, una “obra maestra sinfónica esquizofrénica” en la que tienen cabida movimientos que van del bebop a la bossa nova. Y cuando el disco acaba con “Come Rain Or Come Shine” –pieza en la que Timmons demuestra que no se queda atrás con las teclas-, uno está ya por completo metido en el sonido de The Messengers. Como lo estaba casi todo el mundo en 1959: este disco sirvió para hacer de los Messengers uno de los grupos de jazz más importantes.

1 - Warm-up And Dialogue Between Lee And Rudy
2 - Moanin'
3 - Are You Real
4 - Along Came Betty
5 - The Drum Thunder Suite
* First Theme: Drum Thunder
* Second Theme: Cry A Blue Tear 
* Third Theme: Harlem's Disciples
6 - Blues March
7 - Come Rain Or Come Shine
8 - Moanin' (alternate take)

Art Blakey (batería), Benny Golson (saxo tenor), Lee Morgan (trompeta), Bobby Timmons (piano), Jymie Merritt (contrabajo).

Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, 30 de Octubre de 1958.

11 de mayo de 2016

Blue Note #16 - The Three Sounds


Buena y sonora versión de un excelente estándar con Gene Harris al piano. Es jazz mainstream que bebe de las fuentes tanto del pop como del jazz.
**Reseña de Billboard sobre la publicación del 45rpm “Willow Weep For Me”, noviembre de 1958**

Después de formar un trío en South Bend, Indiana, The Three Sounds trabajaron con regularidad en la zona de Washington D.C. antes de marcharse a Nueva York en 1957, donde acabaron por conseguir un contrato fijo para tocar en el Prelude, un pequeño club que se encontraba entre Broadway y la Calle 129. Alfred Lion se quedó prendado de ellos y, según lo explica un comentarista, les ofreció un contrato para que fueran “su trío pianístico, al igual que Oscar Peterson lo era para Norman Granz y Verve Records”. A pesar de que sólo hacía dos semanas que el pianista Harris había cumplido veinticinco años cuando el trío comenzó a grabar este material, con el que debutaron para Blue Note, se trata de una grabación de una sorprendente madurez.
Aunque algunos desprecien el sencillo y relajado “soft bop” del grupo, parecen que no comprenden la propuesta. Basta con escuchar “Tenderly”, una pieza muy familiar y con numerosas versiones (incluida la de Oscar Peterson), para saber que es poco más lo que se puede decir; con todo, hay que señalar que la hábil ejecución de Harris, y sobre todo la batería de Bill Dowdy, dan lugar a un sonido cautivador y absorbente. Y lo mismo puede decirse de “Willow Weep For Me”. Lo que mejor hace este grupo es tocar una música que alcanza la cima del buen gusto (en un sentido nada acomodadizo del término), y producir discos con muchísimo estilo.
Se ha dicho de The Three Sounds que llegaron completamente formados y nunca se alejaron de su propio territorio, lo cual es cierto. Sin embargo, este disco, que cuenta con tres composiciones de Gene Harris, también es muy absorbente. La introducción de la celesta, instrumento cuyo primer uso en un disco de jazz posiblemente data de 1941 de manos de Meade Lux Lewis en una sesión de Blue Note para Edmond Hall, es todo un acierto. Y, como muestra de cuán distinto era este trío de jazz con piano del de Peterson o cualquier otro, basta con escuchar el dilatado solo de Dowdy a la batería en “Would’n You”, de Dizzy Gillespie. Contra todo pronóstico, incluso su versión del clásico italiano “O Sole Mio” desprende un swing categórico.

Nota: Si bien el debut de The Three Sounds consistió en el disco así reseñado en el libro que nos ocupa y compuesto por ocho temas, la grabación insumió dos sesiones y se registraron en ellas seis temas más que recién vieron la luz en formato vinilo en 1983, en Japón, con una carátula exactamente igual pero de distinto color y con el novedoso subtítulo "Volumen 2" .
Finalmente, todos los registros se reunieron en 1987, para conformar la versión en disco compacto que se presenta aquí.


The Three Sounds
The 3 Sounds

1 - Tenderly
2 - Willow Weep For Me
3 - Both Sides
4 - Blue Bells
5 - It's Nice
6 - Goin' Home
7 - Would'n You
8 - O Sole Mio
9 - Bobby
10 - Mo-Ge
11 - It Might As Well Be Spring
12 - Soft Touch
13 - Don't Get Around Much Anymore
14 - Goin' Home (alternate take)

Gene Harris (piano y celesta), Andrew Simpkins (contrabajo), Bill Dowdy (batería).

Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, 16 y 18 de Setiembre de 1958.

8 de mayo de 2016

Blue Note #15 - Cannonball Adderley


Cannonball Adderley
Somethin' Else

Para aquellos que no estén familiarizados con la terminología más novedosa, el título de la composición de Miles Davis, que también da nombre al disco, es una frase de alabanza. Y si se me permite dar mi opinión personal, me gustaría hacer hincapié en que Cannonball, Miles y toda la sección rítmica y, de hecho, todo el disco, se pueden describir de manera enfática como “algo más”.
**Leonard Feather, notas del álbum original**

Habían transcurrido casi cuatro años desde que Miles Davis grabara para Blue Note, y volvía de nuevo a estudio para realizar otro álbum para la discográfica, aunque esta vez no como líder. El liderazgo del grupo recaía en un Julian “Cannonball” Adderley de veintinueve años. Y qué grupo. Adderley formaba parte del Davis’s Sextet cuando se llevó a cabo esta grabación y, una año después, el saxofonista participó en el álbum seminal Kind Of Blue. La sensación que deja este álbum es la de algo parecido a un ensayo general de lo que habría de llegar después: todo aquel que ame el jazz debe poseerlo.
La diferencia principal entre Somethin’ Else y el Kind Of Blue es que primero cuenta con tres recreaciones de estándares –al parecer seleccionados por Davis-, que acentúan la sensación de suma comodidad que desprenden todas las piezas. De las dos composiciones originales, Miles es autor de la que da título al disco, mientras que “One For Dady-O” es una cocreación del pianista Hank Jones y del hermano del saxofonista, Nat Adderley.
Durante gran parte del disco, Adderley y Davis parecen estar inmersos en su propia conversación privada, que tenemos el privilegio de escuchar a escondidas. El tema estrella para la mayoría de las personas es “Autumn Leaves”, del que, igual que de “Love For Sale”, pueden decirse que es muy gratificante y que no se limita a ser un mero refrito. Se ha dicho que no hay ni un solo “momento de rutina” en el disco, y que estas dos piezas dan muestra de ello.
Para comprender por qué es Adderley el maestro que es, basta con escuchar “Dancing In The Dark”. Si a este tema se le añadiesen cuerdas, parecería que estamos escuchando a Charlie Parker.

1. Autumn Leaves
2. Love For Sale
3. Somethin' Else
4. One For Daddy-O
5. Dancing In The Dark (4:08)
6. Bangoon
7. Autumn Leaves (alternate take)

Cannonball Adderley (saxo alto), Miles Davis (trompeta), Hank Jones (piano), Sam Jones (contrabajo), Art Blakey (batería).

Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, Nueva Jersey, 9 de Mayo de 1958.